Publié le 01/06/2023

La main harmonique

Artefacts

Pour nous sensibiliser à l’urgence climatique, La Main Harmonique convoque avec Artefacts une communauté d’artistes, créateurs et compositeurs d’horizons différents, afin qu’ils interrogent notre humanité dans les incertitudes du monde contemporain. L'ensemble polyphonique nous donne à entendre les créations de John Dowland, Thomas Enhco, Anne Paceo, Dominique A ou encore Moondog.

Avec Artefacts, La Main Harmonique contribue à la réflexion sur les questions environnementales grâce au pouvoir de la musique, d’imaginer et de faire résonner les sons de ces valeurs nouvelles qui pourraient nous aider à regarder demain avec enthousiasme, confiance et envie. Les musiques, qu’elles soient anciennes ou contemporaines, polyphoniques ou réduites à leur essence, empreintes du jazz ou des musiques actuelles, deviennent alors des objets aiguisant notre perception. La Chanson est le fil rouge. Revisitée sous de multiples formes, depuis la Renaissance avec Clément Janequin, elle est le point de départ pour aller vers d’autres chansons « revisitées », ou écrites par des compositeurs d’aujourd’hui - L’arrangeur Bruno Fontaine, le compositeur et improvisateur Alexandros Markeas, le compositeur et pianiste jazz Thomas Enhco et la compositrice et percussionniste jazz Anne Paceo - de John Dowland à Moondog, d’Antony & the Johnsons aux chansons traditionnelles anciennes comme Greensleves (anonyme).

Un instrumentiste qui joue autant l’archiluth que la guitare baroque et le colascione (équivalent de la guitare basse à la Renaissance) ainsi que différentes percussions se joint aux chanteurs qui ont ici un micro et de petits instruments avec lesquels ils composent, comme par analogie avec la situation environnementale qui nous contraint à modifier et à questionner notre manière d’être au monde. Le spectacle est ainsi construit autour de trois axes principaux : le passé, vers lequel il nous est impossible de revenir, une partie centrale où tout bascule, et une fin en forme d’ouverture sur le champ des possibles.

PROGRAMME

Le Chant des Oyseaux - Clément Janequin
Coffee beans - Moondog - arrgt Alexandros Markeas
Greensleeves - arrgt Thomas Enhco
All is loneliness - Moondog - arrgt Alexandros Markeas
Tous les Regretz - Antoine Brumel
Douce France - arrgt Bruno Fontaine
Nous étouffons ! - Thomas Enhco
Flow my tears - John Dowland
Empowerment - Alexandros Markeas
Made in Human - Anne Paceo
Se décentrer - Dominique A - arrgt Alexandros Markeas
Daylight and the Sun - Antony & The Johnsons - arrgt Bruno Fontaine
Oasis - Moondog - arrgt Alexandros Markeas
Chant - Moondog - arrgt Alexandros Markeas

Nadia Lavoyer & Clémence Olivier sopranos
Frédéric Bétous alto
Fabrice Foison & Loïc Paulin ténors
Marc Busnel basse
Ulrik Gaston Larsen archiluth, guitare baroque, colascione
Anouk Buscail-Rouziès comédienne adolescente
Frédéric Bétous conception et direction artistique
Michel Schweizer mise en scène
Eric Blosse scénographie & lumières
Rémi Tarbagayré son

« Notre destinée commune est un vêtement sans couture. Ce qui affecte directement l’un de nous, nous affecte tous indirectement. »
Martin Luther King

Publié le 01/06/2023

Sophie Alour

Le temps virtuose

Sophie Alour saxophone, Pierre Perchaud guitare, Guillaume Latil violoncelle, Anne Paceo batterie

Le temps modèle, transforme et révèle l'artiste à lui même, il est un élément essentiel du processus artistique. Dans ce nouvel opus au titre proche de l'oxymore, Sophie Alour poursuit sa quête d'elle-même, loin des codes du genre et libérée de toute idée de performance.
Diluant la perception du temps, passant de la rêverie à des rythmes hypnotiques, elle mêle en alchimiste toutes les sources de son inspiration, le jazz, le rock, le classique ou encore la musique malienne. Entre la guitare acoustique de Pierre Perchaud, le son de violoncelle de Guillaume Latil, qui offre la possibilité d'un chant à deux voix avec le saxophone ténor dont il partage la tessiture et la batterie minimaliste de Anne Paceo, Sophie Alour se joue de la contrainte imposée par cette formation et en fait l'outil d'une écriture épurée et expressionniste.

Sophie Alour en est à son neuvième projet en leader. En 2022, elle a reçu la Victoire dans la catégorie « Artiste de l'année ». Elle a reçu le prestigieux prix « Django Reinhardt » pour toute sa carrière en 2021 ainsi que la médaille des Chevaliers des Arts et des Lettres des mains de la ministre Roselyne Bachelot en mars 2022. Son parcours, les récompenses récentes, ce disque au titre en forme de prophétie autoréalisatrice témoignent d'une musicienne en pleine maturité qui est à un moment clé de sa vie artistique.

Un concert proposé en partenariat avec

La Scène Nationale Tarbes-Pyrénées

Publié le 31/05/2023

Baro d'evel

La cachette

Camille Decourtye et Blaï Mateu Trias ont rencontré le guitariste Nicolas Lafourest à l’occasion de la création de Bestias. La qualité de la collaboration musicale qu’ils ont menée ensemble les a conduits à la prolonger, à explorer ensemble des pistes musicales avancées dans la création, à approfondir une complicité évidente. Est né alors le groupe La Cachette, un projet parallèle aux créations de Baro d’evel, prenant une forme qui tend plus vers un concert mis en scène que vers un spectacle musical.

Ce qui rassemble ce trio c’est la nécessité d’une authenticité dans la musique, ils cherchent à créer des espaces sonores, les chansons sont comme des mises à nu, elles doivent naître d’un état et les personnalités de chacun portent à la scène l’émotion accompagnées par la guitare électrique, la voix, l’harmonium et la percussion. Le moment du confinement a été l’occasion d’écrire un nouveau répertoire, et leurs dernières créations portent l’envie de se lancer dans une écriture hybride et de façonner leur recherche dans un rapport exutoire à notre époque si abîmée. Ils explorent de nouveaux univers musicaux par le biais des pratiques fondatrices de la compagnie Baro d’evel : l’engagement du corps, de la voix et du rythme, le travail sur la matière et la transformation des espaces, au service d’une rencontre au présent avec le public.

"Avec La Cachette, on n’a jamais été aussi près de Baro d’evel, leur magie n’a jamais été aussi puissante. Elle opère ici sans artifice ni dissimulation aucune, paumes des mains ouvertes, lignes de vie offertes à qui veut les partager." Culture31 - Pierre David

"La cachette, aussi petite soit-elle, nous emporte dans un autre monde. Elle nous envoûte par sa performance pluridisciplinaire : danse, chant, musique, poésie et arts plastiques." Maze - Héloïse Kupfer

Camille Decourtye, Blaï Mateu Trias, Nicolas Lafourest auteurs, interprètes
Enzo Giordana régie lumières
Brice Marin régie son
Production : Baro d’evel

Ce spectacle a été créé en étroite collaboration avec le Théâtre Garonne, scène européenne.
La compagnie est conventionnée par le ministère de la culture et de la communication – Direction Régionale des Affaires Culturelles d’Occitanie / Pyrénées – Méditerranée et la Région Occitanie / Pyrénées – Méditerranée.

Publié le 31/05/2023

Juliette

Chansons de là où l’œil se pose

Chansons de là où l’œil se pose, le nouvel album de Juliette, affiche une capacité à mêler l’anecdotique et le tragique, les objets et les Hommes. Le rire et les larmes. Le soleil et les ombres. Le petit théâtre de la vie. Chez Juliette, on passe d’une émotion à l’autre. Dans ce disque à la magie tangible, où le quotidien se transforme, il y a donc la vie, dans tous ses paradoxes, des chiens, des pouët pouët, des cloches, un violoncelle, une première pour elle, des c(h)oeurs qui battent et qui refusent d’abdiquer, des voitures oubliées, le diable et plein d’autres choses. Chaque chanson est un nouvel acte d’une pièce de théâtre, un nouveau rideau qui s’ouvre, un univers qui se dessine. L'album a été réalisé avec son complice Renaud Letang.

" Seule chez moi, j’attends mes copains, complices, musiciens, pour une ultime répétition avant concert. Ils arrivent et nous commençons à jouer. Seulement voilà, en cours de route, une information tombe, qui nous rappelle une actualité récente, quelque peu traumatisante. Nous sommes tenus au confinement strict à effet immédiat. Nous voici donc cloîtrés chez moi, pour une durée indéterminée. Qu’allons-nous jouer ? Où trouver l’inspiration ? Et surtout, y aura-t-il assez de bières ? Lorsqu’il ne peut plus regarder dehors, l’œil se pose sur les objets du quotidien, les traces du passé, les souvenirs hétéroclites de nos vies rêvées et chantées, pour raconter de toutes nouvelles histoires… Des histoires d’escaliers, de poivrons, de perruques, de 2CV, de housses et de couettes et autres épisodes ironiques, nostalgiques ou douloureux. Des histoires de nous qui sommes enfermés. Et libres. " Juliette

Publié le 30/05/2023

Julian Lage Trio

View with a Room

Julian Lage guitare • Jorge Roeder contrebasse • Dave King batterie

Salué comme l’un des guitaristes les plus prodigieux de sa génération, Julian Lage a passé plus d’une décennie à explorer les multiples sillons de l’histoire musicale américaine grâce à une technique impeccable et un esprit sans limite !

Julian Lage, « l'un des improvisateurs les plus éblouissants qui soient » selon le NY Times, revient avec un nouvel album époustouflant, View With A Room, qui fait suite à son premier album Squint, paru sur le label Blue Note en 2021, que l'Associated Press a qualifié « d'exploration exubérante, engageante et inventive des styles ». Cette fois-ci, Lage a transformé son trio polyvalent, composé du bassiste Jorge Roeder et du batteur Dave King, en un quatuor auquel s'est joint son collègue guitariste et compagnon de label Blue Note Bill Frisell. View With A Room présente dix nouvelles compositions originales de Lage qui explorent un large éventail de sons et de textures de guitare, avec ces deux maîtres guitaristes qui mélangent harmonieusement leurs styles uniques à 6 cordes.

« L'une des voix les plus singulières de la guitare jazz d’aujourd’hui et [accompagné] d’une des sections rythmiques les plus douées et inventives de l’époque » (Alex Dutilh, France Musique), Julian Lage foulera le plateau de L'Astrada en trio avec Jorge Roeder (contrebasse) et Dave King (batterie).

Publié le 30/05/2023

J'accuse [France]

Compagnie Tabula Rasa

© François Passerini / Tabula Rasa. 2023

Elles sont cinq. Elles ragent. Ces femmes prennent dangereusement la parole comme d’autres prennent les armes. Elles exposent leur vie banale, déterminées par instinct de survie à s’élever contre ce qui les étouffe, pollue leur quotidien et entrave leur avenir : préjugés, racisme, injustices sociales, inertie des dirigeants, oppression d’un système… J’accuse dresse un état de la société française à travers le regard incisif et l’humour cinglant d’une autrice québécoise. Une partition verbale et visuelle en prise directe avec notre réalité, qui hurle à l’amour et punche en pleine face.

Le théâtre qu’écrit Annick Lefebvre est un théâtre de parole où la langue est crue, le verbe haut, le propos sans compromission. Une écriture efficace et nécessaire qui gratte à la lame de rasoir les incohérences d’une société en mutation et en fait ressortir les paradoxes et les profondes vacuités avec un humour cinglant. Un théâtre qui bouscule l’écriture théâtrale.

« Je voudrais que ce J’accuse [France] ait, comme la version originale montréalaise, la force d’un manifeste politique générationnel et l’humanité d’une confession intime. » Sébastien Bournac

« Qu’est-ce que je peux faire pour engager le combat avec les armes que je maîtrise le mieux ? Vous faire entendre J’accuse, assurément. Dans l’espoir que cette pièce remue quelque chose de viscéral en vous. » Annick Lefebvre

Texte Annick Lefebvre
Mise en scène Sébastien Bournac
Interprétation Anaïs Gournay, Nabila Mekkid, Agathe Molière, Julie Moulier, Jennie-Anne Walker
Production Compagnie Tabula Rasa

Assistant à la mise en scène Jean Massé • Scénographie Sébastien Bournac et Pascale Bongiovanni • Régie générale Loïc Célestin • Création lumière Pascale Bongiovanni • Création et régie son Loïc Célestin • Régie plateau Gilles Montaudié • Régie lumière Jean-François Desboeufs / Manuella Mangalo (en alternance) • Construction décors Gilles Montaudié et l’Atelier du ThéâtredelaCité • Création costumes Elsa Bourdin • Réalisation vidéo Baptiste Hamousin

Publié le 30/05/2023

Institut Ophélie

Nathalie Garraud / Olivier Saccomano

Drôle, poétique et parfois grinçante, la pièce de Nathalie Garraud et Olivier Saccomano explore l’évolution de la place des femmes au XXème siècle, dans la société et ses représentations artistiques sous le regard d’Ophélie.

Ophélie n’est plus ce personnage mélancolique de la pièce de Shakespeare, qui dans un délire se jette dans une rivière, mais le nom d’un institut. Il y a longtemps, il a recueilli des jeunes filles puis des fous. Métaphore d'un lieu-refuge où se désadapter d’une société en proie au chaos et se préparer au combat, l’Institut Ophélie oscille entre passé et avenir, cherchant les pistes d’un monde à reconstruire. Dans ce deuxième volet, inspiré d’Hamlet, le duo Saccomano-Garraud continue à glisser entre les lignes shakespeariennes, en procédant par touches impressionnistes. Ophélie charrie une histoire des femmes et de leur représentation dans l’art. On y croise fêlures psychiques, luttes contre les dominations et instincts de survie. Dans un espace en constante métamorphose, qui pourrait finir en vente aux enchères, les sept actrices et acteurs parlent à fond, altèrent les noms et les choses, cassent ou fabriquent des objets ou des souvenirs, libèrent des solitudes, jouent à être ou à n’être pas, refont l’histoire du lieu et de leur destin. Un théâtre habité par des êtres décrochés de la course du monde, prêts à se réinventer.

Production Théâtre des 13 vents CDN Montpellier

Coproduction : Les Quinconces & L’espal — Scène nationale Le Mans ; L’empreinte — Scène nationale Brive-Tulle ; Théâtre de l’Archipel — Scène nationale de Perpignan ; Centre dramatique national de l’Océan Indien ; La Comédie de Reims — Centre dramatique national ; Les Halles de Schaerbeek — Bruxelles ; Châteauvallon - Liberté — Scène nationale ; Le Parvis — Scène nationale Tarbes-Pyrénées ; le Théâtre du Bois de l’Aune

Chez notre partenaire et complice
LE PARVIS
La Scène Nationale Tarbes Pyrénées

Olivier Saccomano écriture
Nathalie Garraud mise en scène
avec Karim Daher, Mitsou Doudeau, Mathis Masurier, Cédric Michel, Florian Onnéin, Conchita Paz, Maïka Radigales, Lorie-Joy Ramanaidou, Charly Totterwitz

Lucie Auclair, Nathalie Garraud scénographie • Sarah Leterrier costumes • Sarah Marcotte lumières • Serge Monségu son • Romane Guillaume assistanat à la mise en scène • Production Théâtre des 13 vents CDN Montpellier

Publié le 30/05/2023

Ève Risser & Red Desert Orchestra

Eurythmia

Ève Risser - composition, piano, piano préparé, voix | Alexandra Grimal - saxophone ténor | Sakina Abdou - saxophone ténor | Grégoire Tirtiaux - saxophone baryton, carcabas | Nils Ostendorf - trompette, clavier analogique (Korg MS20) | Matthias Müller - trombone | Tatiana Paris - guitare électrique, voix | Ophélia Hié - balafon, bara, voix | Mélissa Hié - balafon, djembé, voix | Fanny Lasfargues - basse électro-acoustique | Oumarou Bambara - djembé, bara | Emile Biayenda - batterie, voix | Céline Grangey - Sonorisation

Emmené par la pianiste française Ève Risser, le Red Desert Orchestra est une formation hybride dans laquelle musiciens et musiciennes d’Europe et d’Afrique se côtoient au service d’une musique résolument obsédante, magnifiant les entrelacs polyrythmiques jusqu’au vertige par le biais d’une écriture aussi exigeante dans sa forme que résolue dans ses ambitions. Partie prenante d’une dizaine de formations différentes, du solo au large ensemble, Ève Risser développe dans ce contexte-ci ses talents de compositrice en ajoutant à son orchestre les sonorités des balafons, djembés et bara, venus de l’Afrique de l’Ouest. Lignes et sons se trament en d’infatigables boucles hypnotiques qui entraînent l’auditeur et l’auditrice vers un ailleurs spirituel et nomade, desquels émergent de brillants solistes.

Un concert programmé avec le soutien de l'Office National de Diffusion Artistique

Label : Clean Feed Records / ReVeR
Distribution Orkhêstra
Avec le soutien de l’ADAMI, du CNM, de la DRAC Grand Est

Publié le 26/05/2023

La boîte

de Marie Delmarès

La boîte (Vous n'enterrerez pas Antigone) nous parle de la résistance courageuse d’une femme, Alice, contre la machine broyeuse du capitalisme. La boîte (qui symbolise Créon) défend des valeurs économiques. Alice (qui évoque Antigone) défend des valeurs morales et sociales. Alice est attachante parce qu’elle a le courage de se révolter. La boîte est antipathique parce qu’elle a le pouvoir d’écraser. Mais l’inverse pourrait, aussi, être vrai puisque certains considèrent Alice comme extrémiste, radicale, intransigeante et la boîte comme pourvoyeuse d’emplois.

Qu’est-ce qui fait que l’on accepte une situation ou bien qu’on lui résiste ? Jusqu’où est-on prêt à aller pour défendre nos valeurs, donner du sens à notre vie ? Pour vivre en accord avec nous-même, que faut-il faire ? Qu’est ce que ça veut dire « rester debout » quand, autour de nous, tout semble s’écrouler ? Ce sont les questions que soulève La boîte.

« Deuxième volet de Est ce que ce monde est sérieux ?, une trilogie sur le travail, La boîte interroge le modèle privé. J’avais envie d’écrire une tragédie contemporaine. Aussi j’ai choisi d’interroger le mythe d’Antigone, de m’inspirer de cette figure pour la faire résonner aujourd’hui et maintenant. Antigone incarne l’archétype de la résistance. Antigone, c’est celle qui se lève et qui dit non. J’ai réfléchi à qui incarnerait aujourd’hui cette posture. La figure du lanceur d’alerte s’est imposée assez naturellement. A l’heure où la société s’ubérise, où elle n’est plus considérée qu’à travers ce qu‘elle rapporte, quand tout devient marchandise, y compris l’homme, il m’a semblé intéressant d’ancrer mon propos au sein d’une multinationale.» Marie Delmarès

Marie Delmarès
texte & mise en scène
Jacques Grizeaud
collaboration artistique

Marie Delmarès, Manon Galvin, Aude Le Pape, Sabine Samba interprètes

Doclaine musique • Sabine Samba chorégraphie • Jean-Louis Larcebeau lumières et son • Production Les attracteurs étranges

Publié le 26/05/2023

Emile Parisien & Roberto Negro

Les Métanuits

Le duo de Roberto Negro et Emile Parisien est une adaptation malicieuse pour piano et saxophone du premier quatuor à cordes de Giorgy Ligeti, les Métamorphoses nocturnes.

« Ligeti ? J’adore !
Moi aussi j’adore ! »

Ainsi naissent Les Métanuits, l'adaptation des Métamorphoses Nocturnes de Gyorgy Ligeti par Emile Parisien et Roberto Negro, aussi généreuse et foudroyée que pleine de révérence à l’égard du grand maître hongrois. Il s'agit à la fois d'une réduction et d'une ré-écriture pour saxophone et piano du célèbre quatuor à cordes écrit par Ligeti entre 1953 et 1954, son premier quatuor. Emile Parisien et Roberto Negro réécrivent, adaptent et réarrangent la musique de Ligeti, marchent à la fois dedans, à côté, au-delà et entre les lignes de l'original. Ils lui ouvrent les portes de l'improvisation tout en respectant le caractère des thématiques, profondes et ludiques. Une écriture habitée par le rythme ; tantôt moteur tranquille, tantôt diable sous caféine. L’intensité rythmique, l’engagement physique, presque cathartique habite l’interprétation de ce duo.

[ANNULÉ] PREMIERE PARTIE :
NOÉ CLERC TRIO
Noé Clerc accordéon, composition • Clément Daldosso contrebasse • Elie Martin-Charrière batterie, percussions

"Le Jazzman magicien peut créer un lien intime avec son auditoire par le biais des sens, et pour son premier album, le Noé Clerc Trio a choisi le biais du rêve. Le jeune trio nous touche d’emblée révélant sa « Secret Place » son intimité musicale et ses diverses inspirations. (...) L’oreille déambule volontiers dans ce jardin secret, un tableau peint à trois, où les jeunes musiciens font preuve de grande maturité dans la finesse du trait et le choix des couleurs. La palette est audacieuse : blues, jazz contemporain, musiques impressionnistes et traditionnelles." Album Révélation Jazz Magazine, Walden Gauthier

Concert proposé dans le cadre de Jazz Migration, dispositif d’accompagnement de musicien.ne.s émergent.e.s de jazz et musiques improvisées porté par AJC, avec le soutien du Ministère de la Culture, la Fondation BNP Paribas, la SACEM, l’ADAMI, la SPEDIDAM, le CNM, la SPPF, et l’Institut Français.

Emile Parisien
saxophone
Roberto Negro
piano

Première partie [ANNULÉ] :
NOÉ CLERC TRIO
Noé Clerc accordéon, composition
Clément Daldosso contrebasse
Elie Martin-Charrière batterie, percussions
[Lauréat Jazz Migration 2022]